Julio Bravo: «Busco mostrar mi propia visión del mundo, filtrado por mi “yo interior”.

Por Matilde Palavecino

El artista plástico Julio Bravo, distinguido internacionalmente por su creaciones, en diálogo exclusivo con GlobalBuenosAires , habló sobre sus pinturas y dijo que sin dudas busca mostrar su propia visión del mundo filtrado por un «yo interior» que se pone de manifiesto en sus cuadros. 

«Es un mundo de subjetividad, sin dudas, y eso es lo que le da (en general a todos los creadores) individualidad a las obras, unido a un lenguaje que siempre busca ser personal», manifestó el pintor nacido en Quilmes, provincia de Buenos Aires, Profesor de Artes Plásticas y Licenciado en Bellas Artes en España.

Bravo, a lo largo de su brillante trayectoria recibió diversas distinciones y participó como jurado en numerosos certámenes de Artes Plásticas.

Recientemente se editó el libro  Julio Bravo, de 280 páginas a todo color, compilado por el arquitecto,  profesor de Juegos Dramáticos y Licenciado en Teatro, Marcelo Jaureguiberry, donde en dos bloques temáticas revela el testimonio de quienes fueron compañeros Bravo en su producción pictórica, y se muestra en más de 380 imágenes a todo color la obra del artista  a lo largo de sus 40 años de trayectoria.

Cuando usted comienza a pintar un cuadro, ¿ya tiene una idea preconcebida, o se guía por la inspiración de ese momento?

Hay diversas formas y metodologías de iniciar un trabajo, y cada creador tiene el suyo e incluso los adapta. En mi caso particular, como trabajo por Series Temáticas, el proceso parte de una idea inicial, preconcebida, y a partir de ella en mi mente comienzo a gestar y desarrollar cada uno de los trabajos que conformarán la Serie (pueden ser 15, 20 trabajos…).  Diríamos que hay un comienzo puramente “mental” donde las imágenes se configuran, se organizan, se componen (color, formas, texturas, etc), y una vez que las mismas están claras en mi mente, allí comienzo a trabajar sobre el soporte que sea el elegido (tela, papel, soportes digitales).  Además muchas de las Series han ido acompañadas de una Instalación, y una performance inaugural (con registro fílmico), y eso ya está también en la génesis creativa descripta.

¿Qué es lo que busca reflejar con sus pinturas?

Sin dudas busco mostrar mi propia visión del mundo, filtrado por mi “yo interior”, que claramente se pone de manifiesto.  Es un mundo de subjetividad, sin dudas, y eso es lo que le da (en general a todos los creadores) individualidad a las obras, unido a un lenguaje que siempre busca ser personal.  Esto, manifestado a través de los años con diversidad de temas básicos en las distintas Series:  lo consciente y lo inconsciente, las pérdidas, el erotismo, la muerte, la memoria…, hasta la salud y la enfermedad, como fue el caso de la Serie Arte y Artritis. Pero también siempre dejando “abiertos” canales para que los espectadores se conecten y proyecten sus propias experiencias, convirtiéndose también en creadores, espectadores activos.

¿Qué motivo lo llevó a perfeccionarse en Historia del Arte y en Restauración de pintura antigua?
Creo que para todo creador, sea de la disciplina que fuere, es fundamental tener una amplia formación cultural. Eso sin dudas ampliará su espectro creativo y enriquecerá su obra. En mi caso particular, ha sido natural. Particularmente en Historia del Arte (me apasiona), más allá de lo estudiado en la carrera de grado (era una disciplina troncal en aquellos momentos), siempre traté de profundizar en el tema. Es así que me perfeccioné en algunos postgrados; y no dejo de hacerlo a través de nuevas publicaciones específicas. Es apasionante leer aquellos ensayos o trabajos sobre el Arte de los últimos 30 o 40 años, como así también las
nuevas “relecturas” de temas vinculados al arte de otros tiempos. Y siempre siguiendo un enfoque sociológico del Arte. No creo que se pueda analizar el Arte producido en un período de tiempo (largo o breve, fuere cual fuera) sin relacionarlo con el contexto social (en sentido amplio) de esa época, que condicionó sin dudas a todos los creadores.
Y en cuanto a Restauración de Pintura (en particular pintura antigua), siempre me interesó el rol del restaurador, pues es quien debe hacer un trabajo de “conservación” de las obras…, y a diferencia del Artista, debe descartar totalmente la creatividad para ponerse en la mente y en las manos del autor de esa obra que restaura, siendo lo más fiel a lo que fue esa obra cuando se realizó. Es una experiencia fascinante, que además requiere tener un gran oficio (el dominio técnico es fundamental) para poder llegar a un buen destino
en su trabajo.

¿De qué forma Quilmes está presente en su obra?

Mi acercamiento al Arte en general como espectador en mi infancia y adolescencia fue en Quilmes, ciudad donde nací, que siempre ha ofrecido (con altibajos lógicos de distintas épocas) un ambiente que permitía acceder a exposiciones, teatros, conferencias, conciertos.  Y particularmente el precoz inicio de mi “quehacer artístico” (me refiero a las Artes Plásticas) se dio simultáneamente con el comienzo de mi escolarización primaria,  en los Cursos de Arte Infantil de la Escuela de Bellas Artes Carlos Morel de Quilmes.  Luego allí también continuaría parte de mi formación académica (egresé como Profesor de Pintura); luego vendrían otros estudios, y perfeccionamientos en otros destinos…  Y ya como profesional, casi toda mi producción exhibida en Buenos Aires o en el exterior del país, luego fue exhibida en la ciudad de Quilmes, en el Museo de Artes Visuales Roverano o en otras instituciones y recintos.  Destaco particularmente las exposiciones realizadas en las Salas de exposiciones del Colegio de Abogados de Quilmes, donde llevé a cabo las primeras que hubo en Quilmes, de las cuales hay registro fílmico.

De manera que siempre, desde los inicios de mi formación hasta el desarrollo profesional como artista, Quilmes no deja de estar presente.  Aunque por mi lenguaje artístico/estético, lo estrictamente local no está presente en las obras, como sí ha ocurrido con otros artistas locales de trascendencia nacional e internacional, como es el caso de Aldo Severi, pues en gran parte de su amplia y excelente producción pictórica aparece como tema el Quilmes de su infancia. 

Podría decir entonces que Quilmes está indirectamente vinculado a mi obra.

¿El  arte digital puede desplazar al arte tradicional?

No, rotundamente no.  Ambos conviven sin problemas ni competencias, cada uno con sus procesos de realización, técnicas específicas y hasta códigos propios.  Asi como a lo largo de los tiempos vimos que la pintura de caballete no desplazó a la pintura mural, o materiales artísticos tradicionales convivieron con otros nuevos (en el siglo XV el óleo de los flamencos no hizo desaparecer a la témpera, las tintas, el temple, ni el acrílico en el siglo XX anuló al ya tradicional óleo), el arte digital es y será una opción distinta (ni mejor ni peor) del arte tradicional.

En mi caso, desde hace años utilizo el arte digital como una herramienta más, combinado con las técnicas tradicionales y, por ejemplo en algunos casos, papeles hechos a mano.   Dibujar sobre un tablero en un caballete o mesa de dibujo no tiene gran diferencia con trabajar sobre una Tablet de gran tamaño con un lápiz digital.  Y me siento muy cómodo usando lo digital como un elemento más que permite llegar al resultado final, que es la obra que llegará al público.

Además las múltiples variantes que ofrece lo digital (hasta llegar al Arte producido exclusivamente para exhibirse en la web) permite que cada creador tenga un mundo alternativo para expresarse, mas allá de las técnicas tradicionales.

¿Cuál es su soporte preferido?

No podría establecer una preferencia absoluta.   Pues el soporte (como otros elementos que componen la obra) está en función de la imagen, o la característica propia que tendrá la obra.   Trabajo sobre papeles hechos a mano (lo que permite seleccionar texturas y fibras), papeles industriales, telas de diverso tipo.  Esto en cuanto a las obras “tradicionales” bidimensionales…, pero en el caso de una Instalación trabajo desde ploteados directos sobre pared hasta objetos tridimensionales construidos especialmente; además de música, luces, etc.

¿Estaría dispuesto a pintar utilizando la inteligencia artificial?

Creo que no hay que tener prejuicios con relación a lo nuevo  (antes mencionábamos el Arte digital).  La Inteligencia Artificial es un mundo del que todavía no conocemos cuáles serán los límites sobre los espacios que podrá intervenir.  Pero sin duda el Arte será un espacio donde su accionar será importante.

En mi caso particular, podría utilizarla, pero luego de haber estudiado y analizado sus características puntuales, su potencial para las Artes Plásticas, qué es lo novedoso que puede ofrecer para mí como creador.  Y luego de tener ese conocimiento, experimentar en lo creativo para finalmente, si me satisface, utilizarla como elemento o herramienta de creación.

¿Qué fue lo que más le impactó del público en las ciudades en las que expuso?

La conclusión más interesante con relación al público de las distintas ciudades o países donde se exhibió mi producción artística, es que en lo esencial, no hay diferencia.  Yo creo en el rol creativo del espectador frente a la obra (obviamente, siempre que ella le de margen para que se produzca un diálogo creativo), y como mis obras no tienen un “tinte localista” que un público de otro lugar no pueda decodificar, siempre es posible la interacción.  Ver que el espectador interpreta o “descubre” cosas  en un cuadro que no están explicitadas, pero que movilizan su propias vivencias, es algo que a mi me halaga como creador.

¿Cómo definiría a su obra?

Creo que no soy la persona adecuada para definir mi obra.  Hay un condicionamiento desde el momento en que uno es el autor, el creador de un gran conjunto de obras a lo largo de una carrera artística ininterrumpida de décadas.  Lo que sí podría decir es que se trata de una obra honesta conmigo mismo, es mi reflejo.  Yo me siento identificado en mi producción artística…, desde los comienzos, hasta haber alcanzado un lenguaje propio (aunque ya se vislumbraran aspectos del mismo en las primeras exposiciones), y luego llegar a una madurez expresiva que unida a un lenguaje original y personal hace identificable a la obra.

Pero les pido que recurran a las múltiples notas de críticos de Arte que se han referido a mis exposiciones y a mi trayectoria artística (tanto en el libro recientemente publicado, como en mi website), y se podrá tener una idea más amplia de cómo se puede definir mi obra.

En su labor como docente ¿pudo descubrir nuevos talentos?

He desarrollado la labor docente en forma simultánea con mi labor creativa como artista.  Y si nos referimos al trabajo en mi Taller, tanto en las clases de Pintura y Dibujo como de Historia del Arte, a lo largo de más de treinta años, debo decir que  muchos alumnos pasaron y siguen pasando por allí.  En el caso de Dibujo y Pintura, algunos eran iniciados sin ninguna experiencia previa, otros ya con experiencia, algunos autodidactas que buscaban depurar el oficio, u otros que habiendo cursado una carrera de Arte buscaban profundizar en la búsqueda de un lenguaje propio.  La gran mayoría de ellos tuvieron la posibilidad de participar en exposiciones colectivas como alumnos de mi Taller (Museo de Bellas Artes de Rauch, provincia de Buenos Aires; Museo Roverano de Quilmes, Casa de Arte Doña Rosa de Quilmes, entre otros recintos).  También algunos de ellos hicieron exposiciones ya independientes del rótulo de “Alumnos del Taller de Julio Bravo” (tal es el caso de Nito Scarabino, María Molinari, Ana Gaspareti, Marcela Ghilino…).  Precisamente Marcela Ghilino (talentosa pintora) está a días de inaugurar una exposición individual en la Fundación Pasaje 865, en la ciudad de Buenos Aires.

De manera que para mí es también un enorme placer ver que creadores que se han formado bajo mi guía (ofreciendo técnica, oficio, pero simultáneamente ayudándoles a buscar su propio lenguaje plástico), estén desarrollándose con talento en el campo de las Pintura…